Nov 192011
 
Madrid Vertical - Escalera

Madrid Vertical - Escalera

En esta fotografía aprovecho un motivo de sombras que encaja muy bien con el formato que estoy usando. Para crear la composicion pienso en terminos de contraste, no solo en cuanto a luces y sombras, sino tambien geometrico. Las lineas horizontales de los peldaños rompen las sombras de los pasamanos que proyectan un  un zig-zag vertical.

Este es un paso esencial. Toda fotografia debe tener contraste que llame la atención, una  yuxtaposición: claro-obscuro, horizontal-vertical, recto-curvo, … o incluso yuxtaposicion conceptual, sentado-de pie…

Para poder esta fotografía, escogi la hora del día más cercana al mediodía, para poder obtener una sombra marcada.

El objetivo es un Nikon de 50mm. de longitud focal. Este es el tipo de optica que uso más habitualmente y da unos resultados de distorsion y perspectiva muy parecidos a los que percibe el ojo humano. Por supuesto, la marca del objetivo no es importante en sí misma, lo primordial es que se use uno de buena calidad.

La camara es una Nikon D90, trabajando  en manual y con el fotómetro utilizando medición puntual. A mí me gusta utilizar el sistema de zonas, cuando hay tiempo para hacer la fotografía. En este caso fue simple, medí la luminosidad de los peldaños. Eran de granito, tirando a claros,  y decidí que eran un punto más claros que el gris medio. Esto significo sobreexponer un punto.

Es facil hacer este tipo de juicios con un poco de práctica. En uno de los links de este blog se explica el método con detalle.  Aunque esta en inglés, las imagenes son lo suficientemente ilustrativas.

 

Oct 152011
 

Madrid Horizontal #2 - Cuerpos en equilibrio

El título puede parecer un poco equívoco. No se trata de cuerpos haciendo ejercicios cirquenses, ni nada por el estilo. El equilibro al que se refiere  es  el de la composición de la foto.

Como es habitual,  no siempre lo más interesante de una sesión de fotografía surge inmediatamente. Una vez que han pasado varios días, cuando vuelvo a mirar las fotos de una sesión fotográfica, es normal que me llame la atención algo que al principio paso inadvertido. Suelo pensar que la fotografía es aquí como el vino, mejora cuanto más tiempo pasa. En realidad lo que ocurre, nos familiarizamos con nuestras propias fotografias y vemos cosas que antes no veiamos.

Algo por el estilo me pasó aquí. La toma original me gustó y empezé a trabajar con ella.

En esta fotografía mezclé varios conceptos. Uno, ya frecuente en mí, es utilizar un marco fuertemente rectangular. El marco es uno de los elementos formales más importantes de la fotografía. La relación entre ancho y largo influye mucho en el resultado.  Basta recordar que a los distintos formatos les hemos puesto nombre: “retrato” o “paisaje”. Los marcos extremos que suelo usar buscan conferir dinamismo y tensión a la imagen.

En este caso, opté por un horizontal alargado, casí una panorámica.

Pero en esta foto, las cabezas estaban al mismo nivel. Si las eliminaba, eliminaba la expresión de las caras y sólo dejaba las masas de los cuerpos.  Buscaba componer una especie de universo en el que los cuerpos fueran como planetas que gravitan entre sí. Las líneas de la calle ayudarían a dar perspectiva.

He incluído un boceto de la fotografía para que se pueda ver mejor.

Boceto - Cuerpos en equilibrio

Boceto - Cuerpos en equilibrio

 

Además, me hacia ilusión romper una de las reglas más establecidas de la historia de la fotografía: “No cortes la cabeza ni los pies”. Recuerdo  eso desde la primera cámara que me regalaron en la primera comunión, ¡y quienes me lo decian no eran ni mucho menos fotografos profesionales!. Así que… ¿por que no?.

Me gusta eso de imaginarme mundos dentro de lo cotidiano, y de romper las reglas de vez en cuando.

Podeis ver la foto, junto con el resto de mi galería en Flickr.

 

Apr 102011
 

Creatividad.

Bicicleta en rojo

Bicicleta en rojo

Bicicleta en Blanco y Negro

Bicicleta en Blanco y Negro

La fotografía ama la simplificación.

Hay una teoría que dice que para hacer una buena fotografía, hay que quitar todo lo que sobra.  De hecho, en las fotografías de los grandes maestros nada es casual, todo esta puesto ahí a propósito, y todo trabaja al unísono para crear una imagen que capta nuestra atención.

Desde esta punto de vista, el color añade una capa más de significación.  Eso implica que sólo si da valor añadido a la fotografía tiene justificación. De hecho, encuentro que es más facil fotografiar en blanco y negro que en color.

Vemos en color, no en blanco y negro. Por eso el color nos lleva a lo cotidiano, y lo cotidiano no nos llama la atención. Sin embargo el blanco y negro nos descubre una manera de ver las cosas a la que no estamos habituados.  Nos sorprende.

Historia.

No siempre el color fue bien considerado por los fotografos.

Por una parte, por dificultades técnicas.  Costó muchos años obtener un color que fuera razonablemente correcto.  Muchos fotografos coquetearon durante un tiempo con el color para abandonarlo al cabo de un tiempo. Me viene a la memoria el ejemplo de Lartigue. Durante un tiempo hizo fotografias estereoscopicas en color. Pero enseguida encontró que en realidad el color le limitaba, y volvió al blanco y negro.

Es sólo recientemente cuando fotografos como Eggleston y Shore demuestran con sus trabajos que el color puede tener tanto valor como el blanco y negro

Reflejos - película KODAK bw400cn

Reflejos - película KODAK bw400cn

Mi metodo.

Cuando fotografio con cámaras digitales,  tengo configurada mi cámara para visualizar las fotografías que hago en blanco y negro. Esto me permite concentrarmente en la composición, en el contenido, en el movimiento, en los contrastes, etc.

Luego, en casa, llevo a cabo lo que yo llamo “mi revelado”. Paso algunas fotos, las que considero que son mejores, de RAW a JPG. En principio revelo en blanco y negro. Cuando he terminado veo como quedan en color. Siempre en este orden. Primero en Blanco y Negro, y luego en Color. Solo revelo en color aquellas fotografías seleccionadas en blanco y negro en las que compruebo que el color dice algo por sí mismo.

En cuanto al analógico, siempre hago mis fotografías en Blanco y Negro.

Mar 272011
 

 

Tarde de barcas en el Retiro

Tarde de barcas en el Retiro

Para mí, el libro de referencia para aprender fotografia.

Con la nueva moda de las camaras digitales, todo el mundo hace fotografias, y los editores ha visto su oportunidad. En todas partes hay libros explicándo como hacer mejores fotos, pero este libro es especial.

No habla de que tipo de fotos tomar para que salgan bonitas, ni con que luz, ni siquiera con qué cámara.

De hecho, no hay una sóla fotografía en todo el libro.

Lo que su autor,  Eduardo Momeñe nos enseña, es a pensar. 

No nos da nada hecho. Nos obliga a buscar las fotografías de los grandes y a aprender con ellos, o a veces a pesar de ellos.

Es un libro difícil porque nos exige.

Patio - Barrio de Arguelles

Patio - Barrio de Arguelles

Entre otras cosas, nos pide que elijamos, y que desarrollemos un camino.  ¿Fotografos de blanco y negro o de color?. ¿Fotografiamos la vida – como Cartier Bresson– o le pedimos a la vida que pose para nosotros – como Richard Avedon ?. Por último, y esto no es nada fácil, nos pide que desarrollemos un proyecto, algo que nos sirva para que nuestro trabajo tenga la seriedad necesaria para aprender fotografía.

Volveremos de vez en cuando a este libro de referencia.

Mar 262011
 

Stephen Shore

stephen shore chevron

stephen shore chevron

Uno de los fotografos modernos más influyentes. Stephen Shore se convirtió a sus 23 años en el primer fotografo al que el  Metropolitan Museum of Art de Nueva York dedicaba en vida una exposición individual.  Fue uno de los pioneros en reivindicar el color para la fotografía como arte. Anteriormente, se había considerado que sólo el blanco y negro era apto para la fotografía considerada como un arte. El color era demasiado real y a veces poco fiable.

Stephen Shore utilizaba una cámara de 20×25 del tamaño aproximado de una cámara de televisión. Positivaba por contacto, por lo que sus fotografías tenían una nitidez extraordinaria.

El comenta que para hacer economicamente viable su trabajo, tuvo que limitarse a una sólo toma de cada sitio, aunque no

A la manera de Stephen Shore - Garage

A la manera de Stephen Shore - Garage

renunciase al bracketing. Es decir, llegaba, pensaba la fotografía, y podía hacer varias para probar la exposición, pero nunca el encuadre.

Representante del movimiento Nueva Topografía, sus fotografías se caracterizan por una cierta inexpresividad.

Además, de estar considerado como un Gran Maestro, es también un destacado profesor de teoría y práctica de la fotografía.

Uno de sus libros más famosos traducido al español es  “Lección de fotografía”, de la editorial Phaidon. Un libro muy interesante que nos ayuda a sistematizar la interpretación de las imágenes.  Os lo recomiendo, se lee muy rápido, pero tiene mucha sustancia.

Como de costumbre, os incluyo una fotografía mía que he intentado tomar a su estilo.